TEATRO LOS ELEMENTOS 25 AÑOS ENTRE MONTAÑAS

Por Mery Delgado / Foto Molina

En la Comunidad Cultural El Jobero, en las lomas del macizo montañoso Guamuhaya, tiene su casa Teatro Los Elementos, una suerte de experimento que después de 25 años sigue demostrando su valía.

Con Montañeses, texto de Atilio Caballero, su más reciente estreno, celebra el grupo su cuarto de siglo en este 2016, empeñado en representar las historias de sus serranías, bajo la dirección general de José Oriol González.

El texto dramático expone el traslado de campesinos de la zona del Escambray a Pinar del Río en los años 60, el desarraigo y sus consecuencias, la pérdida de las prácticas culturales en la región, e insiste en la necesidad de preservar la memoria histórica e identidad.

“Fue un proceso de improvisaciones -confiesa el director a Cubaescena. Empezamos como a trabajar por unidades. Ellos aportaban toda la experiencia intelectual, la trasladaban a imágenes. Íbamos seccionando desde la parte más performática del bohío, o la imagen inicial de un campesino que no existe, edulcorada en el recuerdo y después, Atilio veía los procesos de improvisación como autor dramático y seleccionaba determinados textos, que finalmente quedaron en la obra”.

El proceso de investigación fue muy rico, coinciden en afirmar tanto el autor como el director, quien agrega: “ Curiosamente es una historia que ya tiene más de 50 años, sin embargo cuando conversas con los campesinos oriundos del Escambray, que conforman las tradicionales comunidades, ellos recuerdan la historia. Se la han contado otros, la vivieron en algunos casos, en parte, o todavía tienen familiares allí. Entonces algo que parecía desterrado, está muy fresco, muy presente en la memoria de los habitantes de la comunidad”.

Oriol afirma que “muchos de esos campesinos, por su vivencia personal, nunca fueron culpables de apadrinar ni de proteger a los alzados, si no que fueron víctimas del miedo a la noche, al fusil, a lo desconocido, y fueron obligados a colaborar. Rescatar esos relatos hacen que el testimonio procure una nueva perspectiva dada las circunstancias de guerra de aquellos tiempos, y analizar también hoy por qué desapareció el campesino de la montaña”.

Quizás uno de los mayores valores del texto está en la profundización de las consecuencias que trajeron estas migraciones forzadas para la cultura cafetalera de las montañas, la pérdida de tradiciones y costumbres de sus habitantes, que hoy todavía gravitan en la actualidad.

“La historia está ahí para que dialoguemos con ella y conozcamos por qué en el presente ese panorama es de esa manera -confiesa Atilio. “Para nosotros siempre estuvo muy claro cuál iba a ser el papel del espectador en esta obra, desde qué posición iba a ser mirada la obra. Y para lograr esa empatía especial, el escenario no podía ser tradicional a la italiana, si no muy particular, donde se creara una suerte de intercambio entre un actor vivo y un espectador vivo”.

Es así que El Jobero con su río, sus bohíos auténticos, su bosque, sus animales de labranza, sirve de escenario natural a Montañeses, bajo la luz de las antorchas, faroles y velas que van llevando al espectador a los determinados espacios escénicos, acompañados por momentos de la música original de Vismel Barrio.

“Es un espacio real donde se narran sucesos que ocurrieron en ese mismo espacio, y eso provoca otra posición del espectador ante estas historias de vida”, -agrega el autor.

Montañeses ha sido visto en cada función por un público que oscila entre 200 y 150 personas. “Siempre vienen espectadores cercanos del campo, de la montaña, los vecinos de la comunidad y amigos del teatro –destaca el director de Los Elementos.

Y concluye: “Nos toca a nosotros cómo inducir esa promoción hacia centros estudiantiles, hacia los jóvenes, hacia todos los sectores etáreos que rodean la zona, en aras de crear una visión de la memoria de la nación, representando nuestra verdadera historia. Es un homenaje que Teatro Los Elementos se hace a sí mismo, y que también hace a esa clase tan necesaria que es el campesino. Para mí esta tierra tiene el sentido de la Patria que se dice tan abstracto, pero para mí, la Patria, es donde está anclado nuestro grupo”.

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La Habana Vieja abre sus calles a la danza

Por Mery Delgado  Foto Internet

Del 6 al 10 de abril, se celebrará la 21 edición del Festival Internacional de Danza en Paisajes Urbanos “Habana Vieja, ciudad en movimiento”, en el casco histórico de la ciudad. Todo con un acontecimiento que desde 1996 es organizado por la compañía Danza Teatro Retazos, la Oficina del Historiador de la Ciudad y apoyado por el Centro de Teatro de La Habana.

El evento acogerá más de mil participantes de 18 países, según anunciaron sus organizadores en conferencia de prensa, donde destacaron la presencia de grupos nacionales entre los que se encuentra Danza Abierta.

En la presentación del programa general se puntualizó la coincidencia con la oncena edición del Festival Internacional de Videodanza “DVDanza Habana. Movimiento y Ciudad” que permitirá tener en la capital a la realizadora italiana Francesca Penzani, profesora del California Institute of the Arts Sharon and Center for Integrated Media, en Estados Unidos, quien impartirá el Taller- Laboratorio Desafíos de la Videodanza del 4 al 7 de abril.

Como parte de las actividades la profesora estadounidense Ellen Bromberg, directora del International Screendance Festival (Universidad de Utah, Estados Unidos), realizará una muestra de obras de esta institución y ofrecerá una conferencia el 7 de abril a las 12:00 m, en la Sala Lecuona del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso.

Ciudad en movimiento acogerá agrupaciones extranjeras de gran calidad como BeC Danza Contemporánea y Kalus Danza, ambas provenientes de Colombia; el Circo ContemporáNEO de Mauricio Nava, de México y la Escuela de Formación Artística del SODRE de Uruguay, que llega por primera vez a Cuba para realizar sus intervenciones urbanas.

Dos conciertos únicos acontecerán a las 7:00 p.m. en el Museo de Bellas Artes. El primero del cantautor cubano Pedro Luis Ferrer, el 7 de abril, y el segundo del italiano Marco Lo Russo, el 14 de abril los cuales animarán musicalmente el evento que posibilita —como dijera Isabel Bustos, directora del grupo anfitrión Danza Teatro Retazos— el intercambio entre todos.

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Publicado en Portal de la UNEAC

ARGOS TEATRO ESTRENA LOS DIEZ MILLONES, UN ESFUERZO POR RESCATAR LA MEMORIA SECRETA

Por Mery Delgado  Fotos : Sonia Almaguer

De una forma nada convencional, más bien a manera de ensayo, asegura Carlos Celdrán que será el estreno hoy viernes, de su texto Diez millones por Argos Teatro, escritura que le valiera la primera mención del Virgilio Piñera, en 2014.

“No es una obra ilusionista -afirma-son fragmentos deshilvanados de la memoria que se van armando, a través de narraciones, recuerdos, evocaciones”.

Diez millones alude a la época comprendida entre finales de los años 60 y los 70, período en que se desenvuelve la historia, y que coincide con la infancia, la adolescencia y la formación del autor.

“Es un poco inspirada en esos hechos de mi propia vida, pero insisto en que no es autobiográfica, porque hay mucho elementos manipulados y de ficción en función de la obra”.

Según confiesa Celdrán a Cubaescena, es un texto que lleva muños años con él. Empezó como un diario en sus años de formación en los Estados Unidos: “Nació solo así, lo dejé, lo volví a redescubrir, lo volví a leer y lo fui llevando hacia el teatro, hacia que fueran voces que empezaran a interactuar y hablar entre ellos, no solamente fueran mis reflexiones, y ahí empezó la ficción”.

El Premio Nacional de Teatro más joven de Cuba asegura que nunca pensó en llevar a escena el texto. “Es una reconstrucción de la época, con hechos de ese período, la forma en que pensamos, actuábamos, de la forma en que éramos en esos años, como nos relacionamos y desarrollamos, y cómo hemos cambiado. Entonces la obra trata de esas paradojas, de esos encuentros y desencuentros con nosotros mismos, y con nuestro pasado y nuestro presente. ¿Cómo somos y ya dejamos de ser?”

Celdrán considera que a su generación le puede interesar mucho, porque se puede ver reflejado en momentos que se vivieron colectivamente.

“Las generaciones jóvenes podrán funcionar, en la medida en que se enteren de los hechos que nosotros vivimos, que forman parte de la biografía secreta, personal y generacional de todos nosotros, que no están en los sucesos de la historia; están en nuestros cuerpos, nuestra memoria, y es un esfuerzo por rescatar esa memoria secreta”.

Dos actores estarán debutando con Argos Teatro en esta temporada de celebración de su vigésimo aniversario: Daniel Romero (actor principal de El ojo del canario) y Maridelmis Marín, actriz con una formación sólida en las tablas. Completan el elenco los habituales Caleb Casas y Waldo Franco.

Acerca del proceso de creación, Celdrán destaca que ha sido muy intenso. “Son gente joven que no vivieron nada de estos años, pero yo creo que han vuelto a traer el pasado y a pensarlo. Y han hecho presente el pasado, a través del diálogo conmigo y con el texto”.

Se suma al proceso de casi dos meses de trabajo, la investigación de varios textos, la visualización de diferentes documentales, la escucha de testimonios de los propios familiares y amigos que vivieron ese contexto.

La escenografía, un elemento que siempre destaca en las producciones de Argos Teatro, en esta ocasión es sencilla. Sobre esa decisión, Celdrán argumenta que surgió por casualidad: “Unas tarimas del público de la obra anterior empecé a usarlas y es como una tarima de actividades, donde se hacen los actos políticos, culturales, con toda la simpleza y pobreza de materiales de esos actos; y vino perfecto porque hay mucho de eso en el texto también”.

Daniel Romero protagoniza al personaje que se llama Él. Según nos revela, su rol pasa por varias etapas, desde la niñez, adolescencia hasta la etapa del preuniversitario. “Es el proyecto más difícil al que me he enfrentado -así lo caracteriza- porque no tengo todo el repertorio de vivencias de la época que toca la obra. Sin embargo, es muy bonito, muy agradecido, que con un estilo como el de Carlos que te hace trabajar más profundo, más contigo mismo”.

Graduado en la Escuela Nacional de Arte en 2011, Romero identifica muchas ganancias de este proyecto con Argos Teatro, después de haber pasado en su joven carrera por las manos de Flora Lauten, Nelda Castillo y Fernando Pérez, entre otros.

“Este fue un lugar adonde siempre quise llegar. Un lugar donde aprendí como espectador desde esas tarimas, es como la ciudad de Argos a la que siempre quise llegar y que nunca pensé que llegaría tan rápido. Carlos es de los directores que parece inalcanzable y no es así. Celdrán trabaja con los actores que quieran trabajar con él. Es un director que va creciendo contigo. Para mí es un regalo estrenar esta obra”.

Para Maridelmis Marín, el personaje de la Madre, es un reto. “Es un rol simbólico pero a la vez existe. En medio del proceso nos hemos ido separando de su vida partiendo de nuestras propias experiencias, y creo que al final hemos cerrado un círculo hasta llegar a lo que Celdrán tenía pensado, y a la vez muy diferente. Ha sido un experimento”.

De su relación con Celdrán, Maridelmis anticipa que era lo que soñaba, pero considera que ahora es que está lista para trabajar con él.

“Le agradezco tanto a él porque es una persona tan positiva y tan visceral a la vez, porque es un ser humilde y más que un director, es un amigo en la escena. Todos nos llevamos bien, y creo que eso se va a ver en la escena también. Estamos muy felices con este estreno”-concluye entre la risa de todos.

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Tomado de Cubaescena

THEO CLINKARD: EXPERIMENTAR CON LOS BAILARINES, NO SÓLO MONTAR LA COREOGRAFÍA

Por Mery Delgado

Por estos días se desarrolla en la sede de Danza Contemporánea de Cuba el primer Laboratorio Coreográfico con el bailarín, coreógrafo y diseñador británico Theo Clinkard, invitado para servir de mentor con una trayectoria de más de 18 años de trabajo con Wayne McGregor, Lea Anderson y Rafael Bonachela.

En colaboración muy estrecha con el British Council, Islas Creativas pretende crear un espacio único y esencial de creación coreográfica donde los mentores y coreógrafos participantes dialoguen, compartan y contribuyan al desarrollo y crecimiento mutuo como artistas, con la posibilidad única de trabajar con los bailarines de Danza Contemporánea de Cuba.

Además de 20 bailarines participan de este primer laboratorio, estudiantes de la Universidad de las Artes y los coreógrafos cubanos: George Céspedes, Laura Domingo, Norge Cedeño, Jorge Abril, Ana Rosa Meneses, Niosbel González y Yoerlis Brunet.

En rueda de prensa, el mentor británico dijo “sentirse muy impresionado por los bailarines cubanos y dentro de los estándares internacionales que conozco, podría decir que son de lo mejor, y es realmente un honor para mí trabajar con ellos”.

Entre sus objetivos en el laboratorio está lograr una sintonía entre lo que el bailarín está pensando, y lo que su cuerpo está expresando. Clinkard refirió, además en sus declaraciones a la prensa, que en Europa hay una ola de trabajo conceptual, y que él quiso traer parte de ese pensamiento de conceptos pero basado en el bailar, en utilizar el cuerpo, “más que concebir una salida a mi necesidad de que mis bailarines se movieran en una forma específica”.

De tal manera puntualizó, “esta forma de trabajar le da más relevancia al proceso de creación que al producto final pulido, y en este momento que me encuentro a mitad de la pieza, es que empiezan a caer las cosas en su lugar para hacer a estas personas sentirse un poco más relajadas, pero todo lo que durante estos días están acumulando va a ser invertido en el momento del espectáculo”.

Su obra, que será presentada los días 20, 21 y 22 de mayo en la sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana, aún no tiene título y será interpretada por 20 bailarines. En la propuesta, el creador acude a diversos elementos comunicativos para establecer una relación indisoluble entre el cuerpo y la mente.

Hasta la fecha, Clinkard ha estrenado 22 obras originales para instituciones educacionales de entrenamiento y agrupaciones danzarias en Reino Unido, Irlanda, Austria, Nueva Zelanda, y Chile.

Tomado de Cubaescena.

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NELDA CASTILLO: CRECER CON MI OBRA, TOCANDO LA REALIDAD

Por Mery Delgado   Foto Mercedes Borges y Buby

¡Guan melón! ¡Tú melón!, se llama el más reciente espectáculo de El Ciervo Encantado, bajo la dirección de Nelda Castillo, quien nuevamente toma la actualidad cubana como tema central de su obra.

“Es un momento definitorio de todo para la vida de este país, de su pasado, de su presente y de su futuro. Si nuestro trabajo es el tema cubano, y desde la memoria llevo trabajando hace 20 años, en estos últimos tiempos voy más encaminada hacia el presente, aunque no deje de estar la memoria”.

Nelda reconoce que empezó con estos temas desde Visiones de la Cubanosofía, y más enfocado en Variedades Galiano, “cuando abordaron la calle como espacio de combate de este país, la sobrevivencia del cubano, su batalla diaria”.

A partir de las nuevas normas económicas y sus lineamientos, surge Cubalandia y con ella esos personajes, llamados por Nelda “mutantes que han tenido que salir al ruedo, de una manera brusca y casi violenta, pero que llevan en sí la voluntad de capitalistas o vendedores, sin ningún tipo de entrenamiento”.

Triunfadela sirve para hablar del divorcio entre la realidad para el cubano y el discurso social. La verborrea triunfalista de los medios alejada de la vida pública del país.

Con estos antecedentes, “quisimos abordar desde el mismo título nuestra realidad más actual, el mercadeo cubano ante la avalancha del turismo. La atmósfera turística ahora, y qué tipo de cubano se le vende al turista, que se mueve a partir de un cliché muy desajustado de lo que es nuestra gente. Por ahí está encaminado el trabajo”, afirma Nelda.

La directora de El ciervo Encantado asegura que su principal referente desde hace algún tiempo es la calle: Auscultamos en cada acontecimiento, cada oleaje. O sea miramos todo el fenómeno que se da con las personas, como se la buscan, a qué apelan en los lugares más expresivos, de ese combate en La Habana Vieja, Centro Habana, el Vedado, el Malecón, todo”.

Y -agrega- “de ahí partimos hacia Samuel Feijoó, con toda esa recopilación tremenda que él tiene sobre la cultura popular, los cantos, los refranes; toda esa alma y corazón del pueblo cubano. Y Pitalúas que habla también de Cuba, y de los valores de la isla, de lo político y su influencia social”.

Durante más de 20 años, Nelda Castillo ha priorizado el trabajo con el actor como su principal obra. Sin embargo, las épocas nuevas, la han llevado a acelerar los procesos creativos y a ser más flexible con el tiempo, sin perder las esencias y su lenguaje artístico.

Es por ello que acude a los invitados para sus obras más recientes, y en esta ocasión tiene una estudiante de último año de actuación de la ENA, y otra joven que no es actriz, pero que trabaja con el grupo, y asume ese riesgo.

Nelda deja casi todo a la sorpresa del espectador, solo nos adelanta que estará presentando a los buscadores de vida de esos lugares de La Habana, personajes caricaturescos, muy teatrales, y patéticos que deben llevar a la reflexión.

Casi al concluir, me confiesa que no les gusta ir a lo fácil, si no que haya una verdadera investigación, que les permita crecer y meditar a ellos y al público, que los viene a ver sobre el entorno cubano actual.

“Reflexionar cómo crecer con mi obra, tocando esa realidad: ese es el verdadero sentido de mi trabajo”.

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Tomado de Cubaescena

 

 

MAYO TEATRAL 2016, A LA VUELTA DE LA ESQUINA

Por Mery Delgado

La primera llamada a la Temporada de Teatro Latinoamericano y Caribeño Mayo Teatral, tuvo lugar este lunes en la Galería Haydee Santamaría, de Casa de las Américas. Vivian Martínez Tabares, directora del Departamento de Teatro de dicha institución, anunció que la concepción de curaduría dedicada al teatro de grupo en esta edición, fue motivada por la feliz coincidencia de que en este año se celebren varios aniversarios cerrados de muchos grupos de teatro en América Latina.

Por ello escogieron a colectivos de notable trayectoria, que permita ahondar en ella y entender sus mecanismos de supervivencia y desarrollo como son Teatro La Candelaria de Colombia, que celebra 50 años de trabajo ininterrumpido signado por el magisterio de Santiago García, el Grupo Cultural Yuyachkani de Perú, con 45 años de búsquedas en torno a la identidad peruana, y al Teatro Gayumba de la República Dominicana, con 40 años de labor en las tablas. Junto con ellos estarán celebrando los grupos cubanos Argos Teatro y El Ciervo Encantado sus primeras dos décadas de vida.

Del 13 al 22 de mayo, los espectadores cubanos podrán acercarse al quehacer de catorce grupos de seis países –Brasil, Colombia, México, Perú, República Dominicana Y Cuba- que además de acumular experiencia abarcan el teatro, la danza, perfomance, los títeres y los lenguajes híbridos.

También el Encuentro de Teatristas Latinoamericanos y Caribeños que sesionará los días 16 y 17 de mayo, al que se sumarán destacados investigadores y académicos, estará signado por el mismo tema central de la temporada, espacio que según afirmó su máxima organizadora, permitirá el intercambio y el repaso del pasado, así como pensar el presente y el futuro.

 

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Yiliam de Bala Coming soon

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