Nadar en seco: nueva producción para la danza cubana.

Por Mery Delgado.
El poema La isla en peso de Virgilio Piñera sirve de plataforma para que los actores Arianna Tejeda, Yaité Ruiz, y George Abreu junto a los bailarines Diana Cano y Eglier Morales, interactúen con sus propias inquietudes como artistas en la pieza coreográfica Nadar en seco, dirigida por Linet Rivero que estará en la Sala Tito Junco durante el mes de mayo.
La pieza está pensada por cuadros, y cada uno responde a un principio, un desarrollo y un final y aunque tiene un orden ya preestablecido, pueden ser organizados de diferentes formas.
Fue una investigación que partió de Arianna , Yaité y yo sobre temas que nos inquietaban en un momento determinado de nuestras vidas – argumenta la directora sobre la génesis del proceso creativo – y con eso buscamos un autor donde poder canalizarlos. Escogimos a Virgilio Piñera por la monumentalidad de su obra y la vigencia de su pensamiento.
El colectivo trabajó con varios textos además como: La cirugía plástica, El país del arte y La caída , todos tratados de diversas maneras, algunos fueron llevados a escena tal cual y otros motivaron las pautas para determinado cuadro.
A esta formación se sumó desde la asesoría dramatúrgica el joven autor Roberto Viña, quien agradece la invitación por el riesgo y el experimento que presupone hablar con el cuerpo y no con la palabra que es su territorio más común.
Me interesó mucho-agrega Viña a Cubaescena- porque era un acto de supresión, era un acto de rescindir la palabra y darle al cuerpo la posibilidad de que hablara él.
Y destaca: Ellos fueron a textos que son más ensayísticos, más poéticos, y a partir de ahí trabajaron la poética del cuerpo en movimiento. Son actores que danzan, bailarines que actúan, es decir la cuestión multidisciplinaria, la fusión de experiencias se une, y a eso fue a lo que yo me incorporé. De verdad que me siento muy satisfecho, y me gusta mucho la manera en que ellos lo han enfocado.
Tanto Yaité Ruiz como Arianna Tejeda avivaron el entusiasmo para este proyecto a partir de sus propias experiencias .
Para Yaité Ruiz lo más interesantes ha sido partir de improvisaciones todo el tiempo para crear las pautas de cada cuadro, reto que anteriormente no había tenido.
Lo que más me gusta de los textos de Virgilio Piñera, es su acción manifiesta, rica en imágenes; y el modo de tratar los temas que queríamos abordar en cada escena-agrega la actriz a su intervención.
Mientras, Ariadna Tejeda resalta la universalidad de Virgilio Piñera que les permitió encontrar puntos en común entre nuestras inquietudes y los temas que abordó en su época , los que mantienen total vigencia hoy para Cuba y el mundo.
Ha sido un proceso largo-confiesa al final del diálogo la coreógrafa – quien identifica como lo más difícil la integración de los 5, en un proceso donde todos debían estar presentes en cada momento de creación para lograr una verdadera coherencia en la obra.
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DE FIESTA EL ARTE JOVEN EN LA HABANA

 

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Por Mery Delgado

 

Al aniversario 40 de la Universidad de las Artes (ISA), y al cumpleaños 90 del líder de la Revolución, Fidel Castro Ruz, estará dedicada la séptima edición del Festival de las Artes, que tendrá lugar en la capital cubana del 30 de mayo al 5 de junio próximos.

Con el objetivo de promover lo mejor  del arte joven y teniendo como estímulo la celebración de los  30 años de la Asociación Hermanos Saíz, los organizadores encabezados por Michel Cruz, director del Departamento de Extensión Universitaria,  aseguraron que está confirmada la presentación de más de 60 propuestas, en las diversas manifestaciones del arte.

Desde tres filiales universitarias ubicadas en Holguín, Camagüey y Santiago de Cuba se sumarán proyectos artísticos, así como de egresados del ISA que en otras provincias han desarrollado sus propios espacios de creación.

Asimismo se integrarán Los Pintores y el Guiñol Paquelé, de Villa Clara, Polichinela, de Ciego de Ávila, y el Carro de Thespis, de Cienfuegos, grupos que cuentan con estudiantes o egresados de la Universidad.

La programación del Festival tendrá unas 133 acciones, que estarán abiertas al público de la capital, y a los jóvenes universitarios fundamentalmente, mientras 14 se desarrollarán en el ámbito de la Universidad, entre las que destacan talleres, encuentros, y algunos concursos de las propias facultades.

El circuito teatral de la calle Línea será uno de los principales escenarios de la programación juvenil con propuestas de toda índole, entretanto diversas galerías, salas de cine y espacios abiertos se sumarán a las sedes del Festival.

Como novedad de esta edición, Michel Cruz destacó el Taller de Canto Popular que lidera la reconocida intérprete y profesora Argelia Fragoso, quien iniciará una cruzada por todo el país, y su primera parada tendrá lugar precisamente el 30 de mayo, como parte de la inauguración del Festival de las Artes.

Tomado de CUBAESCENA

 

 

 

DOS CON DOS EN MAYO TEATRAL 2016

Por Mery Delgado

Mariela Brito y Maria Laura Germán, dos actrices que tienen en común la entrega que le brindan a sus personajes, y la participación en dos obras de la Temporada de Teatro Latinoamericano y Caribeño Mayo Teatral 2016, accedieron gustosamente a dialogar con Cubaescena, acerca del trabajo de grupo en sus respectivos colectivos.

Para Mariela Brito, actriz y fundadora de El Ciervo Encantado, “su grupo ha sido un espacio de crecimiento, de formación artística y técnica”. La protagonista de Triunfadela y de Guan Melón..!! Tu Melón..!!, agrega: “el tema del grupo es muy complicado, porque la tendencia actual lleva a la desintegración, a la individualidad. O sea hay más directores y productores que reúnen a un grupo de actores para hacer momentáneamente una puesta en escena, y después que baja la obra de la cartelera, se vuelven a quedar solos como grupo, el director y el productor; y eso mundialmente es la tendencia”.

Como un espacio de resistencia ve la sostenibilidad de un grupo Mariela Brito, quien festeja por estos días los 20 años de El Ciervo Encantado.

“Ha sido un camino intenso -afirma- cada título ha marcado un punto de crecimiento, de lucidez del mundo donde estamos y qué hacemos, dentro de este panorama a nivel de país, a nivel de cultura, y a nivel del ser humano que uno pretende ser. Todo atravesado por momentos de crecimiento y crisis. La historia de los grupos de teatro es la historia de sus crisis, que pueden ser creativas, o que pueden ser involutivas. Cambiar o hacer algo nuevo no significa necesariamente evolucionar. Y El Ciervo Encantado para mí ha seguido un camino de evolución, porque cada momento de cambio ha significado un reto”.

Para Maria Laura Germán, actriz y dramaturga joven, es un lujo pertenecer a Teatro de Las Estaciones y a El Portazo, a la vez. Así se le podrá ver en esta temporada de Mayo Teatral en las obras Los dos príncipes, cuya versión es de su autoría también, y en Cuban Coffee by Portazo´s Cooperative.

“Creo que nos ajustamos perfectamente al eje temático de esta edición, en tanto que funcionamos como un colectivo en cada proceso de estas dos agrupaciones matanceras. Yo creo que en un grupo funciona la creación colectiva, siempre que funcione como familia. Alguien que contribuye con el texto, con una escena. El actor como ente creativo siempre ayuda a cambiar cosas, incluso diseños”.

“Hemos visto en Las Estaciones con Los dos príncipes cambiar muchos títeres, con el tema del teatro de sombras, con la experimentación, Zenén Calero hacía unos títeres hermosos y de pronto los bajaban y no funcionaban, y se subían a partir de la animación de los actores”.

Mientras, asegura que con El Portazo sí se da más la creación colectiva, porque todos son muy jóvenes buscando fórmulas, inventando cosas y soluciones que respondan a sus procesos creativos novedosos y de autogestión.

Tanto Mariela Brito con su vasta experiencia en las tablas, como la joven María Laura Germán, destacan por su carisma al asumir los personajes, por la inteligencia de sus propuestas al público, apertrechadas de una profunda investigación, y por lo que muchos dirían al verlas: estas actrices son camaleónicas.

Ambas se ven felices de participar en esta selección cubana tan especial, que brinda Mayo Teatral, donde ellas estarán con dos títulos cada una.

tTomado de CUBAESCENA

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TEATRO LOS ELEMENTOS 25 AÑOS ENTRE MONTAÑAS

Por Mery Delgado / Foto Molina

En la Comunidad Cultural El Jobero, en las lomas del macizo montañoso Guamuhaya, tiene su casa Teatro Los Elementos, una suerte de experimento que después de 25 años sigue demostrando su valía.

Con Montañeses, texto de Atilio Caballero, su más reciente estreno, celebra el grupo su cuarto de siglo en este 2016, empeñado en representar las historias de sus serranías, bajo la dirección general de José Oriol González.

El texto dramático expone el traslado de campesinos de la zona del Escambray a Pinar del Río en los años 60, el desarraigo y sus consecuencias, la pérdida de las prácticas culturales en la región, e insiste en la necesidad de preservar la memoria histórica e identidad.

“Fue un proceso de improvisaciones -confiesa el director a Cubaescena. Empezamos como a trabajar por unidades. Ellos aportaban toda la experiencia intelectual, la trasladaban a imágenes. Íbamos seccionando desde la parte más performática del bohío, o la imagen inicial de un campesino que no existe, edulcorada en el recuerdo y después, Atilio veía los procesos de improvisación como autor dramático y seleccionaba determinados textos, que finalmente quedaron en la obra”.

El proceso de investigación fue muy rico, coinciden en afirmar tanto el autor como el director, quien agrega: “ Curiosamente es una historia que ya tiene más de 50 años, sin embargo cuando conversas con los campesinos oriundos del Escambray, que conforman las tradicionales comunidades, ellos recuerdan la historia. Se la han contado otros, la vivieron en algunos casos, en parte, o todavía tienen familiares allí. Entonces algo que parecía desterrado, está muy fresco, muy presente en la memoria de los habitantes de la comunidad”.

Oriol afirma que “muchos de esos campesinos, por su vivencia personal, nunca fueron culpables de apadrinar ni de proteger a los alzados, si no que fueron víctimas del miedo a la noche, al fusil, a lo desconocido, y fueron obligados a colaborar. Rescatar esos relatos hacen que el testimonio procure una nueva perspectiva dada las circunstancias de guerra de aquellos tiempos, y analizar también hoy por qué desapareció el campesino de la montaña”.

Quizás uno de los mayores valores del texto está en la profundización de las consecuencias que trajeron estas migraciones forzadas para la cultura cafetalera de las montañas, la pérdida de tradiciones y costumbres de sus habitantes, que hoy todavía gravitan en la actualidad.

“La historia está ahí para que dialoguemos con ella y conozcamos por qué en el presente ese panorama es de esa manera -confiesa Atilio. “Para nosotros siempre estuvo muy claro cuál iba a ser el papel del espectador en esta obra, desde qué posición iba a ser mirada la obra. Y para lograr esa empatía especial, el escenario no podía ser tradicional a la italiana, si no muy particular, donde se creara una suerte de intercambio entre un actor vivo y un espectador vivo”.

Es así que El Jobero con su río, sus bohíos auténticos, su bosque, sus animales de labranza, sirve de escenario natural a Montañeses, bajo la luz de las antorchas, faroles y velas que van llevando al espectador a los determinados espacios escénicos, acompañados por momentos de la música original de Vismel Barrio.

“Es un espacio real donde se narran sucesos que ocurrieron en ese mismo espacio, y eso provoca otra posición del espectador ante estas historias de vida”, -agrega el autor.

Montañeses ha sido visto en cada función por un público que oscila entre 200 y 150 personas. “Siempre vienen espectadores cercanos del campo, de la montaña, los vecinos de la comunidad y amigos del teatro –destaca el director de Los Elementos.

Y concluye: “Nos toca a nosotros cómo inducir esa promoción hacia centros estudiantiles, hacia los jóvenes, hacia todos los sectores etáreos que rodean la zona, en aras de crear una visión de la memoria de la nación, representando nuestra verdadera historia. Es un homenaje que Teatro Los Elementos se hace a sí mismo, y que también hace a esa clase tan necesaria que es el campesino. Para mí esta tierra tiene el sentido de la Patria que se dice tan abstracto, pero para mí, la Patria, es donde está anclado nuestro grupo”.

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La Habana Vieja abre sus calles a la danza

Por Mery Delgado  Foto Internet

Del 6 al 10 de abril, se celebrará la 21 edición del Festival Internacional de Danza en Paisajes Urbanos “Habana Vieja, ciudad en movimiento”, en el casco histórico de la ciudad. Todo con un acontecimiento que desde 1996 es organizado por la compañía Danza Teatro Retazos, la Oficina del Historiador de la Ciudad y apoyado por el Centro de Teatro de La Habana.

El evento acogerá más de mil participantes de 18 países, según anunciaron sus organizadores en conferencia de prensa, donde destacaron la presencia de grupos nacionales entre los que se encuentra Danza Abierta.

En la presentación del programa general se puntualizó la coincidencia con la oncena edición del Festival Internacional de Videodanza “DVDanza Habana. Movimiento y Ciudad” que permitirá tener en la capital a la realizadora italiana Francesca Penzani, profesora del California Institute of the Arts Sharon and Center for Integrated Media, en Estados Unidos, quien impartirá el Taller- Laboratorio Desafíos de la Videodanza del 4 al 7 de abril.

Como parte de las actividades la profesora estadounidense Ellen Bromberg, directora del International Screendance Festival (Universidad de Utah, Estados Unidos), realizará una muestra de obras de esta institución y ofrecerá una conferencia el 7 de abril a las 12:00 m, en la Sala Lecuona del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso.

Ciudad en movimiento acogerá agrupaciones extranjeras de gran calidad como BeC Danza Contemporánea y Kalus Danza, ambas provenientes de Colombia; el Circo ContemporáNEO de Mauricio Nava, de México y la Escuela de Formación Artística del SODRE de Uruguay, que llega por primera vez a Cuba para realizar sus intervenciones urbanas.

Dos conciertos únicos acontecerán a las 7:00 p.m. en el Museo de Bellas Artes. El primero del cantautor cubano Pedro Luis Ferrer, el 7 de abril, y el segundo del italiano Marco Lo Russo, el 14 de abril los cuales animarán musicalmente el evento que posibilita —como dijera Isabel Bustos, directora del grupo anfitrión Danza Teatro Retazos— el intercambio entre todos.

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Publicado en Portal de la UNEAC

ARGOS TEATRO ESTRENA LOS DIEZ MILLONES, UN ESFUERZO POR RESCATAR LA MEMORIA SECRETA

Por Mery Delgado  Fotos : Sonia Almaguer

De una forma nada convencional, más bien a manera de ensayo, asegura Carlos Celdrán que será el estreno hoy viernes, de su texto Diez millones por Argos Teatro, escritura que le valiera la primera mención del Virgilio Piñera, en 2014.

“No es una obra ilusionista -afirma-son fragmentos deshilvanados de la memoria que se van armando, a través de narraciones, recuerdos, evocaciones”.

Diez millones alude a la época comprendida entre finales de los años 60 y los 70, período en que se desenvuelve la historia, y que coincide con la infancia, la adolescencia y la formación del autor.

“Es un poco inspirada en esos hechos de mi propia vida, pero insisto en que no es autobiográfica, porque hay mucho elementos manipulados y de ficción en función de la obra”.

Según confiesa Celdrán a Cubaescena, es un texto que lleva muños años con él. Empezó como un diario en sus años de formación en los Estados Unidos: “Nació solo así, lo dejé, lo volví a redescubrir, lo volví a leer y lo fui llevando hacia el teatro, hacia que fueran voces que empezaran a interactuar y hablar entre ellos, no solamente fueran mis reflexiones, y ahí empezó la ficción”.

El Premio Nacional de Teatro más joven de Cuba asegura que nunca pensó en llevar a escena el texto. “Es una reconstrucción de la época, con hechos de ese período, la forma en que pensamos, actuábamos, de la forma en que éramos en esos años, como nos relacionamos y desarrollamos, y cómo hemos cambiado. Entonces la obra trata de esas paradojas, de esos encuentros y desencuentros con nosotros mismos, y con nuestro pasado y nuestro presente. ¿Cómo somos y ya dejamos de ser?”

Celdrán considera que a su generación le puede interesar mucho, porque se puede ver reflejado en momentos que se vivieron colectivamente.

“Las generaciones jóvenes podrán funcionar, en la medida en que se enteren de los hechos que nosotros vivimos, que forman parte de la biografía secreta, personal y generacional de todos nosotros, que no están en los sucesos de la historia; están en nuestros cuerpos, nuestra memoria, y es un esfuerzo por rescatar esa memoria secreta”.

Dos actores estarán debutando con Argos Teatro en esta temporada de celebración de su vigésimo aniversario: Daniel Romero (actor principal de El ojo del canario) y Maridelmis Marín, actriz con una formación sólida en las tablas. Completan el elenco los habituales Caleb Casas y Waldo Franco.

Acerca del proceso de creación, Celdrán destaca que ha sido muy intenso. “Son gente joven que no vivieron nada de estos años, pero yo creo que han vuelto a traer el pasado y a pensarlo. Y han hecho presente el pasado, a través del diálogo conmigo y con el texto”.

Se suma al proceso de casi dos meses de trabajo, la investigación de varios textos, la visualización de diferentes documentales, la escucha de testimonios de los propios familiares y amigos que vivieron ese contexto.

La escenografía, un elemento que siempre destaca en las producciones de Argos Teatro, en esta ocasión es sencilla. Sobre esa decisión, Celdrán argumenta que surgió por casualidad: “Unas tarimas del público de la obra anterior empecé a usarlas y es como una tarima de actividades, donde se hacen los actos políticos, culturales, con toda la simpleza y pobreza de materiales de esos actos; y vino perfecto porque hay mucho de eso en el texto también”.

Daniel Romero protagoniza al personaje que se llama Él. Según nos revela, su rol pasa por varias etapas, desde la niñez, adolescencia hasta la etapa del preuniversitario. “Es el proyecto más difícil al que me he enfrentado -así lo caracteriza- porque no tengo todo el repertorio de vivencias de la época que toca la obra. Sin embargo, es muy bonito, muy agradecido, que con un estilo como el de Carlos que te hace trabajar más profundo, más contigo mismo”.

Graduado en la Escuela Nacional de Arte en 2011, Romero identifica muchas ganancias de este proyecto con Argos Teatro, después de haber pasado en su joven carrera por las manos de Flora Lauten, Nelda Castillo y Fernando Pérez, entre otros.

“Este fue un lugar adonde siempre quise llegar. Un lugar donde aprendí como espectador desde esas tarimas, es como la ciudad de Argos a la que siempre quise llegar y que nunca pensé que llegaría tan rápido. Carlos es de los directores que parece inalcanzable y no es así. Celdrán trabaja con los actores que quieran trabajar con él. Es un director que va creciendo contigo. Para mí es un regalo estrenar esta obra”.

Para Maridelmis Marín, el personaje de la Madre, es un reto. “Es un rol simbólico pero a la vez existe. En medio del proceso nos hemos ido separando de su vida partiendo de nuestras propias experiencias, y creo que al final hemos cerrado un círculo hasta llegar a lo que Celdrán tenía pensado, y a la vez muy diferente. Ha sido un experimento”.

De su relación con Celdrán, Maridelmis anticipa que era lo que soñaba, pero considera que ahora es que está lista para trabajar con él.

“Le agradezco tanto a él porque es una persona tan positiva y tan visceral a la vez, porque es un ser humilde y más que un director, es un amigo en la escena. Todos nos llevamos bien, y creo que eso se va a ver en la escena también. Estamos muy felices con este estreno”-concluye entre la risa de todos.

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Tomado de Cubaescena

THEO CLINKARD: EXPERIMENTAR CON LOS BAILARINES, NO SÓLO MONTAR LA COREOGRAFÍA

Por Mery Delgado

Por estos días se desarrolla en la sede de Danza Contemporánea de Cuba el primer Laboratorio Coreográfico con el bailarín, coreógrafo y diseñador británico Theo Clinkard, invitado para servir de mentor con una trayectoria de más de 18 años de trabajo con Wayne McGregor, Lea Anderson y Rafael Bonachela.

En colaboración muy estrecha con el British Council, Islas Creativas pretende crear un espacio único y esencial de creación coreográfica donde los mentores y coreógrafos participantes dialoguen, compartan y contribuyan al desarrollo y crecimiento mutuo como artistas, con la posibilidad única de trabajar con los bailarines de Danza Contemporánea de Cuba.

Además de 20 bailarines participan de este primer laboratorio, estudiantes de la Universidad de las Artes y los coreógrafos cubanos: George Céspedes, Laura Domingo, Norge Cedeño, Jorge Abril, Ana Rosa Meneses, Niosbel González y Yoerlis Brunet.

En rueda de prensa, el mentor británico dijo “sentirse muy impresionado por los bailarines cubanos y dentro de los estándares internacionales que conozco, podría decir que son de lo mejor, y es realmente un honor para mí trabajar con ellos”.

Entre sus objetivos en el laboratorio está lograr una sintonía entre lo que el bailarín está pensando, y lo que su cuerpo está expresando. Clinkard refirió, además en sus declaraciones a la prensa, que en Europa hay una ola de trabajo conceptual, y que él quiso traer parte de ese pensamiento de conceptos pero basado en el bailar, en utilizar el cuerpo, “más que concebir una salida a mi necesidad de que mis bailarines se movieran en una forma específica”.

De tal manera puntualizó, “esta forma de trabajar le da más relevancia al proceso de creación que al producto final pulido, y en este momento que me encuentro a mitad de la pieza, es que empiezan a caer las cosas en su lugar para hacer a estas personas sentirse un poco más relajadas, pero todo lo que durante estos días están acumulando va a ser invertido en el momento del espectáculo”.

Su obra, que será presentada los días 20, 21 y 22 de mayo en la sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana, aún no tiene título y será interpretada por 20 bailarines. En la propuesta, el creador acude a diversos elementos comunicativos para establecer una relación indisoluble entre el cuerpo y la mente.

Hasta la fecha, Clinkard ha estrenado 22 obras originales para instituciones educacionales de entrenamiento y agrupaciones danzarias en Reino Unido, Irlanda, Austria, Nueva Zelanda, y Chile.

Tomado de Cubaescena.

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